Cuando se cierra una puerta algo se expande. Karina Sztein comienza a desarrollar la serie Wabi Sabi (2023) luego de cerrar un ciclo de pinturas compuestas en planos geométricos y colores saturados que ocupaban todo el perímetro de la tela. El gesto deviene en una etapa que trae consigo la oposición a esas cualidades, como si el ruido seco del portazo la hubiera eyectado al extremo opuesto de la sala. 

Wabi Sabi es un conjunto de pinturas que sólo llevan el eco de la rigurosidad geométrica en los módulos que lo conforman, pero que carga una multiplicidad de nuevas experiencias. Las obras, que ahora son monocromas, están realizadas con tinta sumi, acrílico y agua. Sztein da inicio a la acción a partir de ese último elemento: el agua impone el curso de la tinta y el acrílico, como si ese espacio en el que puede moverse el pigmento o el aire que se puede respirar se mezclaran con la artista, la hicieran más liviana y pudieran llevarla. 

La filosofía zen afirma que frente a lo lleno, el vacío constituye una entidad viviente. En estas obras, dado que la artista decide no abarcarlo todo, el papel cobija la experiencia pictórica pero, a su vez, sus propias cualidades -como la íntima textura o el blanco roto de su superficie- cobran un protagonismo abrumador. El velo de un silencio que inquieta pero invita a ser atravesado.

Por su parte, el término Wabi Sabi, acertado título elegido por la artista, fue originado en el taoísmo durante la dinastía Song en China (s. X - XIII) y luego transmitido al budismo zen, e invita a reflexionar -entre otras cosas imposibles de ser fraseadas- sobre la belleza que se encuentra en la imperfección. La incompletitud define el carácter transitorio de las cosas y su aceptación sólo puede traernos la comprensión profunda de la naturaleza y lo que nos rodea. Al contemplar estas pinturas, acaso su belleza reside en despertarnos la evidencia que somos parte de aquello que está a merced del paso del tiempo ¿Podremos, como la tinta sumi y el acrílico, fundirnos con el agua y fluir en sus corrientes impermanentes? 

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When a door closes, something expands. Karina Sztein began developing the Wabi Sabi series (2023) after completing a cycle of paintings composed of geometric planes and saturated colors that occupied the entire perimeter of the canvas. The gesture becomes a phase that brings with it the opposition to these qualities, as if the dry sound of the slamming door had ejected her to the opposite end of the room.

Wabi Sabi is a group of paintings that only carry the echo of the geometric rigor in the modules that comprise it, but that carry a multiplicity of new experiences. The works, which are now monochrome, are made with sumi ink, acrylic, and water. Sztein begins the action with that last element: water dictates the flow of the ink and acrylic, as if that space in which the pigment can move or the air that can be breathed were to blend with the artist, making her lighter and able to carry her away.

Zen philosophy affirms that in contrast to the full, the void constitutes a living entity. In these works, since the artist chooses not to encompass everything, the paper shelters the pictorial experience, but at the same time, its own qualities—such as the intimate texture or the off-white of its surface—take on an overwhelming prominence. The veil of silence is unsettling yet invites one to cross it.

The term Wabi Sabi, a fitting title chosen by the artist, originated in Taoism during the Song Dynasty in China (10th–13th centuries) and later transmitted to Zen Buddhism. It invites us to reflect—among other things impossible to phrase—on the beauty found in imperfection. Incompleteness defines the transient nature of things, and accepting it can only bring us a deeper understanding of nature and our surroundings. When contemplating these paintings, perhaps their beauty lies in awakening to the realization that we are part of that which is at the mercy of the passage of time. Can we, like sumi ink and acrylic, merge with water and flow in its impermanent currents?